Dans l'univers du graffiti, il y a des moments où l'on prépare tout dans les moindres détails, et d'autres où l'on laisse totalement place à l'improvisation. Cette pièce en est un parfait exemple. Née d'une contrainte matérielle et d'une envie de marquer le mur, elle reflète à la fois une maîtrise technique et une spontaneté brute.

Le Contexte : Peindre avec Peu, Créer avec Tout

Ce jour-là, l'envie était là, mais le matos était restreint. Il me restait du fond gris, une bombe de chrome, une de rouge et quelques restes de orange, jaune, blanc et noir. Une palette limitée, mais une opportunité de jouer avec les contrastes et les textures. Parfois, avoir moins de couleurs pousse à être plus malin dans leur utilisation.

La Construction du Lettrage : L'Art de l'Impro

Pas de croquis, pas de plan. Juste une envie de poser mon blaze avec de l'impact. Le chrome s'est imposé naturellement pour remplir les lettres, leur donnant cet effet métallique qui capte la lumière et renforce leur présence. Les contours rouge et orange ajoutent la touche de dynamisme et font vibrer l'ensemble. Quant aux effets de fissures, ils viennent casser la rigidité du chrome, apportant du relief et une texture presque organique.

Le Fond : Un Coup de MadMaxxx

Pour le fond, j'ai sorti les MTN MadMaxxx. Ces caps larges permettent de créer des effets diffus et explosifs, parfaits pour donner une impression de profondeur et d'énergie. Le noir et le bleu vaporeux viennent ainsi contraster avec la brillance des lettres, les faisant presque flotter sur le mur.

Improvisation et Identité

Ce qui me plaît avec l'impro, c'est ce côté instinctif et sincère. Pas de filet, pas de retour en arrière. Chaque geste compte. C'est une manière de capturer l'énergie du moment et de la retranscrire directement sur le mur.

Habituellement, je bosse en impro sur les lettrages et sur croquis pour les personnages. Mais ce type d'expérience me rappelle pourquoi j'aime autant le graffiti : c'est un dialogue constant entre ma vision, le matériau, et l'instant présent.

Conclusion : Quand la Limite Devient une Force

Cette pièce est la preuve qu'on n'a pas besoin d'une palette infinie pour créer un visuel fort. Parfois, c'est la contrainte qui pousse à l'ingéniosité et donne naissance à des résultats inattendus. Ce mur est une signature, une trace laissée dans l'espace urbain, un reflet de ce que je suis et de mon énergie du moment. Et après tout, n'est-ce pas là l'essence du graffiti ?

Il y a des œuvres qui naissent d’un besoin viscéral d’expression, d’un lâcher-prise total où la couleur devient langage et le geste, une danse spontanée. "Wild Flow" est de celles-là. Cette toile, réalisée exclusivement à l’aérosol, s’inscrit dans ma série "Street Art", une exploration de la spontanéité et de la vitalité brute de l’art urbain.

Une Explosion de Couleurs et de Mouvement

Dès le premier regard, "Wild Flow" capte l’attention par son énergie débordante. Des projections intenses de blanc, rouge et jaune s’entrelacent avec des nuances plus profondes de bleu et de vert, créant un contraste dynamique et percutant. Chaque éclaboussure, chaque coulure raconte une histoire, comme si la peinture avait été projetée avec la force d’un battement de cœur, une pulsation urbaine réinterprétée sur toile.

L’utilisation exclusive de l’aérosol donne à l’œuvre une texture particulière, un effet brut et spontané propre au graffiti. Loin d’être figée, la composition semble en perpétuel mouvement, oscillant entre chaos et harmonie, entre instinct et contrôle.

L’Essence du Street Art Transposée sur Toile

"Wild Flow" est un hommage au langage visuel du street art, à cette liberté d’expression qui défie les conventions. Ici, le mur devient toile, la rue s’invite dans l’espace intérieur. Chaque geste est direct, rapide, impulsif, traduisant cette énergie urbaine que l’on retrouve dans les fresques murales des grandes villes.

Cette toile ne cherche pas à raconter une histoire linéaire. Elle est avant tout une invitation à ressentir, à se laisser happer par les contrastes et les formes organiques qui se déploient. Il n’y a pas de cadre rigide, pas de limite imposée : juste une interaction libre entre la couleur et celui qui l’observe.

Processus Créatif : Un Lâcher-Prise Maîtrisé

Créer "Wild Flow", c’était accepter de ne pas tout contrôler, d’accueillir l’inattendu. J’ai travaillé en plusieurs couches, superposant les jets d’aérosol pour obtenir une profondeur vibrante. Chaque passage de peinture a été appliqué dans un geste rapide, instinctif, mais toujours en quête d’équilibre. Ce processus de création rappelle celui du dripping, cher à Pollock, tout en intégrant une esthétique urbaine plus contemporaine.

L’œuvre est née en extérieur, en contact direct avec l’environnement, influencée par la lumière naturelle et l’énergie du moment. Ce dialogue avec l’espace et les éléments a renforcé son intensité, comme si la toile absorbait les vibrations de la rue pour les retranscrire à travers les couleurs.

Une Œuvre qui Invite à l’Interaction

"Wild Flow" ne se contemple pas passivement, elle se vit. Selon la lumière et l’angle de vue, de nouvelles formes émergent, des connexions inattendues apparaissent. C’est une toile qui évolue avec son spectateur, qui offre une expérience unique à chacun.

Elle s’adresse aux amateurs d’art contemporain et de street art, aux collectionneurs en quête d’une pièce forte, vivante, capable d’insuffler une énergie nouvelle à un espace. C’est une œuvre qui vibre, qui interpelle, qui ne laisse pas indifférent.

Disponible en édition unique, signée et accompagnée d’un certificat d’authenticité, "Wild Flow" est plus qu’une toile : c’est un fragment d’expression pure, une immersion dans le chaos maîtrisé de la création.

Plonger dans l'univers de la création artistique, c'est souvent explorer l'inattendu. Avec Solar Rift, j’ai voulu capturer l’essence d’une fracture lumineuse, un moment où la matière et l’énergie fusionnent et explosent en une danse incandescente. Cette toile est née d’un besoin d’exprimer la tension entre le chaos et l’harmonie, un équilibre fragile où les éléments s’entrechoquent pour créer une nouvelle réalité.

Tout commence avec une base jaune clair, une lumière sous-jacente qui imprègne la composition d’une intensité particulière. Le choix de l'acrylic pouring permet ensuite de créer une dynamique fluide, une marée de gris-bleu métallisé où viennent se mêler des vagues de rouge ardent et de jaune éclatant. L’ajout de peinture métallisée confère à la toile une profondeur unique, jouant avec les reflets et les nuances en fonction de l’angle sous lequel on l’observe.

Mais l’énergie brute du mouvement ne pouvait pas suffire. J’ai ressenti le besoin d’intervenir de manière plus directe, plus incisive. Le raclage au tournevis s’est imposé comme un geste instinctif, traçant des sillons accidentés, des cicatrices sur la surface, révélant les strates cachées sous les premières coulées de couleur. Cette action apporte une tension supplémentaire, comme si la toile elle-même avait subi une transformation, un bouleversement nécessaire à sa propre évolution.

Pour amplifier cette sensation d’explosion et d’imprévisibilité, j’ai utilisé un dripping à la bombe, en noir et blanc, appliqué sur l’acrylique encore fraîche. Ce procédé a permis aux éclaboussures de se fondre partiellement dans la sous-couche, créant des formes organiques, des filaments en suspension, comme des particules projetées dans un vide interstellaire. Ces traces finales apportent une dimension supplémentaire à la toile, un contraste entre le précis et l’aléatoire, entre la structure et l’abandon.

Solar Rift est une invitation à plonger dans une faille en perpétuelle mutation. C’est une exploration de la rupture et de la renaissance, une vision d’un instant où tout bascule, où la destruction et la création s’entremêlent en un cycle infini. Chaque regard posé sur cette toile révèle une nouvelle facette, un détail insoupçonné, une vibration différente. L’énergie de la peinture ne se fige pas : elle vit, elle résonne, elle évolue avec celui qui la contemple.

À travers cette œuvre, je cherche à interroger cette frontière fragile entre l’ordre et le chaos, à saisir cet instant où la matière semble hésiter entre explosion et équilibre. Solar Rift n’est pas seulement une toile, c’est une expérience, une fenêtre ouverte sur l’énergie brute de la création.

Dans ma dernière fresque, j’ai voulu jouer avec les perceptions et les jugements hâtifs que l’on porte sur les choses. À travers un lettrage dynamique et un personnage attachant, cette pièce interroge la manière dont nous voyons l’art urbain et ses acteurs.

Une Fresque Entre Dynamisme et Message Caché

D’un côté, on retrouve mon tag "MR.KOB" en grand format, un lettrage puissant et texturé, majoritairement vert, avec des contours roses et jaunes qui lui donnent un éclat énergique. De l’autre, un petit monstre vert ultra expressif, sourire large, regard malicieux, brandissant une pancarte sur laquelle est inscrit "I’M NOT A MONSTER".

Jouer Avec les Perceptions

Le message est simple mais profond. Ce monstre, avec ses cornes et son allure excentrique, pourrait être perçu comme une créature effrayante. Pourtant, il nous dit clairement qu’il ne l’est pas. Cela fait écho à la façon dont la société perçoit souvent le graffiti et le street art : comme une nuisance, du "bruit visuel", alors qu’il s’agit d’une véritable forme d’expression.

Un Graffiti Qui Fait Réfléchir

Au-delà du fun et de l’esthétique colorée, cette fresque est une invitation à remettre en question nos préjugés. Qui sont les vrais "monstres" ? Ceux qui s’expriment librement ou ceux qui refusent d’accepter cette diversité artistique ?

Avec cette pièce, j’ai voulu créer un dialogue visuel entre l’humour et la critique sociale, entre l’urbanisme et l’imaginaire.

Une Éventuelle Série ?

L’idée de pousser ce concept plus loin me trotte dans la tête : imaginer d’autres personnages avec des messages similaires, jouant toujours sur l’opposition entre l’apparence et la réalité. Et si chaque "monstre" avait son propre cri du cœur à partager ?

Conclusion : "I’M NOT A MONSTER" est plus qu’un graffiti, c’est une affirmation, une réflexion sur la tolérance et la liberté d’expression. Le street art est une voix, pas un crime. Et comme ce petit monstre, il est peut-être mal compris, mais jamais effrayant.

Si cette pièce vous parle, n’hésitez pas à partager votre ressenti. Et vous, qu’est-ce que vous voyez en premier ? Le monstre, ou le message ?

Bonjour à toutes et à tous,

Je suis Mr. Kob, et je suis ravi de vous présenter ma nouvelle fresque intitulée "La Catrina". Cette œuvre s’inspire de l’iconographie mexicaine et plus particulièrement de La Catrina, une figure emblématique du Jour des Morts. C’est un hommage vibrant à la tradition, à la mémoire et à la vie. Peinte à l'occasion du 11 novembre 2024, elle s’inspire de l’iconographie mexicaine et plus particulièrement de La Catrina, une figure emblématique du Jour des Morts.

Un Portrait Plein de Significations

Le personnage principal de cette fresque, La Catrina, arbore un sombrero richement orné et un sourire serein mais mystérieux. Son visage de calavera (crâne) est délicatement décoré avec des motifs floraux et des lignes fines, rappelant les maquillages traditionnels portés pendant les célébrations du Día de los Muertos.

En arrière-plan, j’ai choisi des nuances de bleu et de vert pour créer une atmosphère apaisante, tandis que les détails comme le "RIP" et les noms inscrits rendent hommage à des figures et des souvenirs chers. Le lettrage "Mr. Kob", écrit en vert éclatant, s’harmonise avec l’ensemble tout en affirmant mon style unique.

Couleurs et Techniques

Pour cette fresque, j’ai utilisé des bombes de peinture Montana 94, dont la finition mate est idéale pour des effets subtils et des dégradés nuancés. Les teintes vives — comme le jaune chaud du sombrero et le vert des lettres — contrastent magnifiquement avec les tons froids du fond, créant une composition équilibrée mais dynamique.

Chaque détail a été minutieusement travaillé : des ombres pour donner de la profondeur au visage jusqu’aux reflets qui rendent le sombrero presque tactile. Le but était de capturer l’essence festive et respectueuse du Jour des Morts tout en y intégrant ma touche personnelle.

Une Invitation à Célébrer la Vie

"La Catrina" n’est pas seulement un hommage à une tradition culturelle, mais aussi une invitation à réfléchir sur la vie et la mort avec sérénité. Cette œuvre rappelle que, même dans le souvenir de ceux qui ne sont plus, il y a de la joie à célébrer leur impact sur nos vies.

Chacun peut y trouver une interprétation personnelle : une mémoire, une célébration ou simplement un moment de contemplation.

Rejoignez-moi dans cette Célébration Artistique

Si cette fresque vous interpelle, je vous invite à partager vos réflexions ou à explorer mes autres créations. Chaque mur que je peins est une opportunité de dialogue, de réflexion et de connexion.

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Merci pour votre soutien et votre curiosité !

Mr. Kob – Faire revivre les traditions, un mur à la fois.

Bonjour à toutes et à tous,

Je suis Mr. Kob, et je suis ravi de vous présenter ma nouvelle pièce intitulée "Ocyle". Cette fresque est une ode à la résilience et à la beauté brute de la nature, où l’énergie urbaine rencontre la splendeur aride du désert.

Un Paysage de Cactus et de Couleurs

La scène centrale de cette œuvre est dominée par des cactus verdoyants, qui épellent mon autre signature graffiti : "Ocyle". Ces cactus, évoquant à la fois force et adaptation, symbolisent notre capacité à grandir même dans les environnements les plus difficiles. Leurs teintes vives contrastent avec le décor chaud et accueillant du désert, peint en dégradés d’orange, de rouge et de bleu.

Chaque épine sur les cactus a été soigneusement dessinée pour capturer la texture à la fois hostile et fascinante de ces plantes. Le fond, avec ses ondulations de couleurs vives, reflète un coucher de soleil typique des régions arides, renforçant l’atmosphère à la fois apaisante et énergique.

Une Technique Inspirée par la Nature

Pour réaliser cette fresque, j’ai utilisé des bombes de peinture Montana 94, parfaites pour leurs finitions mates et leurs nuances subtiles. Les verts éclatants des cactus ont été soigneusement dégradés pour donner une impression de volume et de vie, tandis que les ombres ajoutent de la profondeur à chaque lettre-forme.

Le choix des couleurs de fond n’est pas anodin : le bleu vif du ciel contraste avec les tons chauds du désert, créant une harmonie qui capte immédiatement l’œil. Ce contraste vise à rappeler que même les lieux les plus inhospitaliers peuvent être sources de beauté et d’inspiration.

Ocyle : Un Message de Résilience

Cette pièce n’est pas seulement une exploration visuelle, mais également un message d’espoir et de persévérance. Tout comme les cactus survivent et prospèrent dans des conditions difficiles, cette œuvre invite chacun à embrasser les défis et à trouver la beauté dans l’adversité.

Le lettrage "Ocyle", caché dans la forme des cactus, symbolise l’intégration entre l’identité personnelle et les forces de la nature. C’est une manière pour moi de m’ancrer dans cet univers aride tout en y laissant ma trace.

Une Invitation à Explorer

Si cette œuvre vous évoque des souvenirs de voyages, ou si elle vous incite à regarder la nature avec un regard différent, alors mon objectif est atteint. Partagez vos impressions et n’hésitez pas à venir découvrir mes autres créations.

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Mr. Kob – Révéler la beauté du désert, une fresque à la fois.

Bonjour à toutes et à tous,

Je suis Mr. Kob, et j’ai le plaisir de vous présenter ma nouvelle œuvre, un hommage à l’imaginaire universel des extraterrestres. Intitulée "L'Extraterrestre et Moi", cette fresque mêle science-fiction, introspection et l’énergie brute de l’art urbain.

Rencontre avec l’Inconnu

L’extraterrestre, avec ses grands yeux noirs et son expression à la fois curieuse et énigmatique, est une figure récurrente dans nos récits de science-fiction. En choisissant ce thème, j’ai voulu évoquer le mystère de l’univers et cette fascination collective pour l’inconnu. Cet être semble vouloir établir un contact, tendant les mains vers le spectateur, invitant à un dialogue imaginaire.

Mon lettrage "MR. KOB", peint dans des tons verts et noirs, s’intègre parfaitement dans cette atmosphère interstellaire. L’ensemble crée une harmonie visuelle où chaque élément participe à renforcer l’immersion dans ce voyage cosmique.

Une Dynamique Surnaturelle

Dans cette fresque, j’ai cherché à capturer l’idée d’une apparition soudaine, comme si cet extraterrestre surgissait d’une dimension parallèle. Les volutes de fumée et les effets de lumière ajoutent une profondeur qui donne vie à cette scène, rendant l’expérience presque tangible.

L’objectif était de créer une pièce qui interpelle, une œuvre qui non seulement capte l’attention, mais suscite également des questions sur notre place dans l’univers.

Techniques et Palette Chromatique

Pour cette œuvre, j’ai utilisé des bombes Montana 94, avec leur finition mate qui convient parfaitement pour des effets subtils et nuancés. Les dégradés de vert, associés à des ombres profondes, apportent une sensation de réalisme tout en restant ancrés dans l’imaginaire.

Chaque détail, des rides sur le visage de l’extraterrestre aux reflets dans ses yeux, a été soigneusement travaillé pour transmettre une présence à la fois familière et étrange. Le lettrage, quant à lui, adopte un style audacieux, rappelant les codes visuels de la science-fiction des années 80.

Entre Réflexion et Imaginaire

"L'Extraterrestre et Moi" est une œuvre qui invite à réfléchir sur l’inconnu, sur nos croyances et nos rêves collectifs. C’est aussi une métaphore de la curiosité humaine et de notre désir d’explorer au-delà des limites.

Invitation au Voyage

Si cette œuvre vous intrigue, si elle vous pousse à lever les yeux vers les étoiles ou simplement à vous arrêter un instant pour rêver, alors j’aurai atteint mon but. Partagez vos impressions, et n’hésitez pas à venir découvrir mes autres créations.

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Mr. Kob – Connecter l’imaginaire et le réel, un mur à la fois.

Bonjour à toutes et à tous,

Je suis Mr. Kob, et j’ai le plaisir de vous présenter ma nouvelle œuvre, où je rends hommage à un personnage iconique : Garfield. Ce graffiti mêle nostalgie, énergie et un brin de provocation, capturant l’essence même de l’art urbain contemporain.

Un Regard Rétro au Cœur de la Culture Pop

Garfield, avec son air renfrogné et son attitude désinvolte, est bien plus qu’un simple chat. Il représente une époque, une culture pop qui a marqué plusieurs générations. En choisissant ce personnage, j’ai voulu évoquer non seulement l’humour et l’insouciance, mais aussi cette connexion universelle que Garfield inspire.

À ses côtés, mon lettrage "MR. KOB" s’impose dans des tons éclatants d’orange et de jaune, créant une harmonie visuelle avec la teinte emblématique de Garfield. Ce mélange de couleurs chaudes symbolise l’énergie et la vivacité de la scène urbaine.

Une Dynamique de Percée

Ce graffiti a été conçu comme une explosion visuelle, littéralement. On peut voir Garfield surgir du mur, comme s’il brisait les limites entre l’espace urbain et le monde imaginaire. Ce jeu d’illusion ajoute du mouvement à la pièce, incitant les passants à s’arrêter et à interagir visuellement avec l’œuvre.

Mon but était de donner vie au mur, de le transformer en une scène où Garfield et mon lettrage coexistent, créant une tension entre le rétro et le contemporain.

Une Technique au Service de l’Émotion

Pour réaliser cette œuvre, j’ai utilisé des bombes de peinture de qualité supérieure, principalement des Montana 94, connues pour leur finition matte et leur précision remarquable. Ces bombes permettent de capturer chaque détail de Garfield et d’offrir un rendu homogène, idéal pour les jeux de profondeur et de textures.

Chaque contour a été travaillé avec soin, notamment autour des yeux expressifs de Garfield, pour refléter son caractère emblématique. Le lettrage, quant à lui, adopte des lignes audacieuses et des éclats lumineux, incarnant mon style distinctif.

Entre Hommage et Réinvention

Cette fresque est une lettre d’amour à l’enfance, mais aussi une réflexion sur la manière dont les icônes de la culture pop continuent d’influencer nos vies. En réinventant Garfield dans ce contexte urbain, je voulais provoquer un sentiment de familiarité tout en introduisant une nouvelle perspective.

Une Invitation à Explorer

Si cette œuvre vous a fait sourire, remémorer de bons souvenirs ou simplement intrigué, je vous invite à partager vos impressions et à venir découvrir mes créations en personne. Mon objectif est toujours d’ajouter un peu de couleur et d’émotion aux espaces urbains.

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Mr. Kob – Quand le rétro rencontre la rue.

Bonjour à toutes et à tous,

Je suis Mr. Kob, artiste urbain et passionné par l’art de transformer les murs en toiles vivantes. Aujourd’hui, je vous présente ma nouvelle création : "Le Cochon de Béton". Cette œuvre n’est pas seulement un graffiti, c’est une invitation à réfléchir, un mélange d’humour, de critique sociale et d’expression artistique brute.

Le Symbolisme du Cochon : Une Double Lecture

Le cochon, personnage principal de cette fresque, est bien plus qu’un simple animal rose. Il incarne à la fois la générosité et l’excès, deux traits qui définissent si bien notre société actuelle. Avec son rose éclatant et presque provocateur, cette œuvre capte immédiatement le regard, mais elle pose aussi une question essentielle :

Dans un monde saturé par la consommation, qu’est-ce qui nous définit réellement ?

Mon choix d’intégrer mon nom, "MR.KOB", directement dans l’anatomie de l’animal reflète mon style unique. Cette fusion entre lettrage et figuratif montre que mon art et mon message ne font qu’un. Le cochon devient ici une métaphore complexe : il oscille entre légèreté et critique sociale, entre amusement et réflexion.

Un Dialogue avec l’Espace Urbain

Créer dans l’espace public, c’est participer à une conversation continue avec l’environnement. Ce mur, niché dans un terrain d’art urbain libre, m’a immédiatement inspiré. "Le Cochon de Béton" s’inscrit dans une dynamique où chaque fresque interagit avec les œuvres voisines et le regard des passants.

Peindre dans ces lieux vivants, c’est aussi un défi. Chaque éclat de peinture, chaque forme est pensée pour s’intégrer harmonieusement tout en apportant une énergie nouvelle. Cette œuvre est conçue pour dialoguer avec la ville, pour en révéler les aspérités et les richesses.

Les Secrets de Mon Processus Créatif

Pour cette fresque, j’ai utilisé des bombes de peinture aux couleurs vives, principalement des Montana 94, qui offrent des nuances riches et une grande précision. Chaque contour est net et chaque ombre est travaillée pour donner une profondeur et un volume qui rendent l’image presque tangible.

Un aspect clé de mon style est l’intégration du lettrage dans des formes figuratives. Ici, le lettrage "MR.KOB" s’adapte parfaitement à la silhouette du cochon, un choix qui illustre ma recherche constante d’équilibre entre esthétique et narration.

Une Œuvre, Mille Interprétations

L’une des forces de l’art urbain est de laisser chaque spectateur libre de ressentir et d’interpréter l’œuvre à sa manière.

Certains y verront un symbole d’abondance. D’autres y percevront une critique ironique de la société de consommation. Enfin, il y aura ceux qui y trouveront simplement un éclat de couleur et de joie dans un paysage urbain parfois monotone.

Pour moi, l’essentiel est de susciter une émotion, qu’elle soit légère ou profonde, et d’amorcer un dialogue entre l’œuvre et le public.

Une Invitation à Partager et à Créer Ensemble

"Le Cochon de Béton" est plus qu’une fresque. C’est une expérience, une rencontre entre l’artiste, le spectateur et l’espace urbain. Si cette œuvre vous a fait sourire, réfléchir ou simplement intrigué, je vous invite à la partager, à en discuter ou même à venir voir mes créations en personne.

Vous pouvez également me suivre sur mes réseaux sociaux pour découvrir plus d’œuvres et, pourquoi pas, collaborer sur des projets artistiques audacieux. Ensemble, continuons à colorer nos murs et à poser des questions qui comptent.

Merci d’avoir pris le temps de plonger dans mon univers !

Mr. Kob – Connecter les murs et les consciences, une couleur à la fois.

C'est avec une grande fierté que je vous présente ma dernière réalisation, en collaboration avec l'artiste Poasson, pour la devanture de l'agence Cap Voyages, située à Marseille.

Cette fresque, créée directement sur le rideau métallique de l'agence, évoque l'idée d'évasion et de découvertes. Avec des scènes et des symboles emblématiques tels que des pyramides, un avion, le Taj Mahal, et même le Colisée, nous avons voulu capturer l'essence même du voyage : l'exploration, l'aventure et le rêve.

Un grand merci à Cap Voyages pour leur confiance dans ce projet ! Ce travail n'aurait pas été possible sans la précieuse collaboration de Poasson, avec qui j'ai pris plaisir à travailler.

Si vous passez dans le quartier de Mazargues, n’hésitez pas à aller voir cette œuvre en personne et pourquoi pas, rêver à votre prochaine destination avec Cap Voyages !